Formas musicais



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Formas e Gêneros Musicais

Elementos da Linguagem Musical

Fonte: http://www.allegrobr.com


FORMAS MUSICAIS
1. Forma Seccionada

2. Variação

3. Fuga

4. Forma-Sonata



GÊNEROS MUSICAIS


1. Abertura

2. Balé


3. Canção

4. Cantata

5. Concerto



6. Missa

7. Moteto

8. Música de câmara

9. Música de cena

10. Música instrumental


11. Ópera

12. Oratório

13. Poema sinfônico

14. Sinfonia

15. Suíte




FORMAS MUSICAIS







Parece estranho falar em forma musical. Afinal, a palavra forma está diretamente ligada à noção de espaço - e música não ocupa espaço, muito menos assume uma geometria qualquer. O sentido mais comum em música não é o de espaço, é o de tempo. Assim, formas musicais são as maneiras pelas quais um compositor pode dispor sua obra no tempo. Mas dispor o quê?

A unidade básica de qualquer estudo de forma musical é o tema. Um tema não passa de uma melodia, geralmente bem simples, pura, ainda não trabalhada. Você conhece o tema principal da Quinta Sinfonia de Beethoven, certo? Tcham-tcham-tcham-tcham! Obviamente, há alguns outros temas no primeiro movimento e muitos outros nos demais, mas este é o principal. Nem é preciso dizer o porquê.

Se Beethoven apenas pegasse todos estes temas e os colocasse um atrás do outro, ou os dispusesse aleatoriamente, sem critério nenhum, o tcham-tcham-tcham-tcham não seria tão incisivo e marcante. Portanto, a forma é importantíssima para uma peça musical. Um bolo bonito e enfeitado, voltando a esse comum exemplo, é muito mais atraente do que uma bolota de massa feita com os mesmos ingredientes.

Existem dois princípios formais básicos: a repetição e a não-repetição. Os nomes dispensam quaisquer explicações. Quando Beethoven compôs a Quinta Sinfonia, a toda hora ele tinha que decidir: "e agora, qual tema repito? ou apresento um novo?". Para tornar essa tarefa mais fácil para o compositor - e facilitar também a audição -, existem formas já estabelecidas, consagradas pela tradição. As formas mais conhecidas são divididas em quatro grupos: FORMAS SECCIONADAS, VARIAÇÃO, FUGA e FORMA-SONATA.

A maior parte das músicas que conhecemos foram compostas em algum destes esquemas formais, portanto vale a pena conhecer todos. Eles definiram a cara de 400 anos de música.

FORMAS SECCIONADAS




Toda forma musical é constituída de seções - da fuga mais rigorosa ao poema sinfônico mais livre. O assunto desse capítulo são as formas totalmente baseadas no conceito de seções separadas que se alternam ou que se repetem. São as estruturas mais simples que iremos conhecer: a forma binária, o minueto, o scherzo e o rondó.

NOTAÇÃO
Antes de vermos as formas em si, é bom saber como elas são anotadas. Geralmente, são usadas letras para definir as seções distintas (A, B, C, etc). Seções que são variações de outras são anotadas com a letra do tema original seguida de apóstrofes - variações de A: A', A'', A''' (lê-se "a linha", "a duas linhas", etc). Quando há divisões dentro de uma divisão, usam-se letras minúsculas: as três divisões de um tema A são chamadas de a, b e c, por exemplo.

Repetições exatas após o tema não costumam ser anotadas. Isto é, se A é repetido logo após sua exposição, não se anota A-A-B-C, por exemplo. A forma seria esquematizada como A-B-C, pois a repetição imediata de A não altera significativamente a estrutura da peça.



FORMA BINÁRIA

É a mais básica de todas as formas musicais. Constitui-se, como o próprio nome diz, de duas seções, A e B, uma após a outra, no esquema A-B. As duas partes mantém entre si uma forte sensação de unidade, mais do que nas diversas formas seccionadas. Mesmo assim, é possível escutar nitidamente a separação entre elas - o final de cada uma é bastante marcado.

A forma A-B foi muito utilizada no Barroco, principalmente nas obras curtas para cravo. O melhor exemplo desse tipo de peça está nas centenas de sonatas compostas por Domenico Scarlatti. Apesar do nome sonata, elas não mantêm nenhuma relação com a sonata clássica, que veremos mais adiante.

MINUETO E SCHERZO

O minueto é uma forma ternária. É composta de duas seções, A e B, como na forma binária, mas após a exposição de B, volta-se a A, formando o esquema A-B-A. Aqui há um contraste maior entre as partes - A, também chamado de minueto, é uma dança graciosa e nobre, enquanto B, conhecido como trio, é mais lento e estático. O retorno ao minueto pode ser tanto literal como variado.

O minueto é uma forma típica do Classicismo e ganhou bastante destaque quando Mozart e Haydn o incorporaram à sinfonia. Porém o seu caráter sereno foi mudando com o passar do tempo. Beethoven foi um dos que mais contribuíram para isso. Ele queria algo que contrastasse fortemente com o movimento lento que o precede, e começou a compor minuetos mais rápidos e bruscos. Assim nasceu o scherzo.

O scherzo tem a mesma estrutura formal do minueto, A-B-A, mas é emocionalmente diferente. As seções externas são bastante dinâmicas, intensas e, muitas vezes, dramáticas, enquanto o trio central é plácido e sereno. É fácil para o ouvinte identificar as partes de um scherzo, dado o grande contraste.



RONDÓ
O rondó consiste em um tema principal que sempre retorna após a apresentação de temas secundários. O esquema é o seguinte: A-B-A-C-A-D, etc, dependendo de quantas digressões o compositor quiser fazer. O aspecto fundamental do rondó é a supremacia do tema principal sobre os secundários. Ele é o que interessa e os outros só servem para dar destaque a ele.

Apesar de ter sido utilizado como forma independente, principalmente no Classicismo, o rondó é mais importante como base do último movimento de sonatas e sinfonias.




VARIAÇÃO




Existem dois tipos de variação. Um é o próprio artifício que o compositor tem à mão para tornar mais interessante uma obra musical. A variação como artifício aparece em toda obra, aplicada tanto às pequenas quanto às grandes seções. O outro tipo tem aspecto estrutural: a variação é base de algumas formas fundamentais. As mais conhecidas delas são a passacaglia, a chacona e o tema com variações, que vamos ver aqui.

FÓRMULAS DE VARIAÇÃO
O que é uma variação? Pensando de modo abrangente, qualquer mudança a que um determinado tema é submetido é uma variação. Pode ser uma diferença muito pequena, mas só o fato de ela existir já caracteriza uma variação. Dessa maneira, toda e qualquer obra musical não passa de um apinhado de variações.

No nosso caso, vamos considerar apenas as variações aplicadas a seções suficientemente grandes e de forma coerente. Quando um compositor pega um tema A, o submete a uma transformação de certo tipo e obtém um tema A', ele criou uma variação. Como existem várias e várias maneiras de se operar essa transformação, podemos dizer que todo tema é capaz de gerar infinitas variações.

Apesar dessa infinitude, geralmente se catalogam quatro fórmulas básicas de variação, todas elas ligadas a três dos quatro elementos musicais que já estudamos (ritmo, melodia e harmonia).

A primeira fórmula é a variação rítmica. A esse tipo correspondem todas as mudanças de andamento, de métrica e de acentuação que podem ser feitas em um tema. Transformar uma valsa ligeira em uma marcha arrastada é realizar uma variação rítmica.

A segunda fórmula é a variação melódica. Consiste em modificar a melodia, acrescentando (ou retirando) sinuosidades e ornamentações, alterando intervalos ou fazendo a transposição para uma voz mais grave ou mais aguda.

Há também a variação harmônica. São alterações no acompanhamento, seja o enriquecendo, seja o simplificando. Finalmente, as variações contrapontísticas transformam esse acompanhamento em acordes em um contraponto. Obviamente, pode-se combinar qualquer um dos esquemas citados.

Por mais técnicas que possam parecer essas fórmulas, o mais importante de uma variação é a aquisição de um novo significado emocional. É realmente fascinante o fato de que mesmo o mais simples tema é capaz de assumir tão variados aspectos. E é a essas transformações emocionais que os ouvintes devem estar atentos, mais do que a todos os aspectos teóricos.

PASSACAGLIA
A passacaglia, como todas as formas baseadas na variação, é baseada no esquema apresentação do tema - variações - reapresentação do tema. A passacaglia se baseia num tema que é apresentado na linha do baixo. Ele geralmente conserva-se imutável nas primeiras variações, enquanto a linha superior continua suas figurações. Mais adiante, o baixo passa a também ser variado, muitas vezes passando para a parte média e superior, trocando de posições. Quando todas as possibilidades de variação estiverem esgotadas, inicia-se a parte final, que geralmente é uma fuga baseada no tema do baixo que sustenta toda a forma.

A passacaglia foi muito explorada no Barroco, principalmente por Bach, o grande renovador da forma. Mais adiante, ela foi esquecida, para retornar no nosso século, na obra de compositores como Ravel, Berg, Webern e Hindemith.



CHACONA
As diferenças entre a chacona e a passacaglia são muito tênues. A classificação é bastante dificultada. A chacona, como a passacaglia, é estruturada em apresentação do tema - variações - reapresentação do tema, mas a diferença reside no fato de que o tema não é mais um baixo desacompanhado, mas um baixo harmonizado. Tudo, inclusive as harmonias, podem ser variadas. O final geralmente é uma grande cadência.

A chacona também é uma forma barroca, mas foi constantemente utilizada no passar do tempo. O exemplo mais conhecido é o último movimento da Quarta Sinfonia de Brahms. É uma monumental chacona de 30 variações, baseada, o que não poderia ser diferente, em um tema de Bach.


TEMA COM VARIAÇÕES

É a principal forma variada, e a mais conhecida também. Como o próprio nome diz, baseia-se no esquema tema - variações - final, ou A-A'-A''-A'''-A''''- etc.

O tema é geralmente curto e bastante simples. Pode ser tanto do compositor, ou, como ficou mais usual, de outro autor. Depois de apresentado (muitas vezes com repetição, para reforçá-lo na memória do ouvinte), é submetido a uma série de variações.

Essas variações podem ou não ter uma cadência (frase de encerramento) e uma pausa antes do início da próxima. Isso depende das necessidades de cada obra. O final pode ser uma variação, uma reapresentação do tema ou uma fuga. Geralmente, em peças isoladas, a presença da fuga é assinalada já no título: 21 variações e fuga sobre tema de fulano de tal.





FUGA




Até agora só vimos formas planas, isto é, onde todas as vozes de uma composição se movimentam juntas. Podemos sintetizar um scherzo em A-B-A porque quando estamos no trio, todas as vozes estão no trio. Porém existe um tipo de forma musical em que isso não ocorre - a fuga.

A fuga se movimenta em vários planos. As vozes mantêm certa independência umas das outras. Assim, as formas fugatas são as mais complexas, tanto para o compositor como para o ouvinte. As fugas, como peças polifônicas, são totalmente baseadas no contraponto, mais do qualquer outra forma. Este é o grande diferencial da fuga - a movimentação formal não ocorre apenas horizontalmente, mas também verticalmente. Vamos ver o que isso significa.


SUJEITO E CONTRA-SUJEITO

Antes de prosseguirmos, vale a pena lembrar que, independentemente do número de vozes em que uma fuga se desenvolva, o compositor sempre dará uma colher de chá ao pobre ouvinte, limitando-se a duas ou três vozes simultâneas e realçando uma delas. Uma fuga a seis vozes, onde todas tocam simultaneamente e em alto e bom som, seria inaudível.



Toda fuga é baseada em um tema chamado sujeito. Este sujeito geralmente é uma melodia curta e marcante, fácil de ser memorizada. A fuga começa com a apresentação do sujeito em uma das vozes, sem acompanhamento. Feito isso, ele é enunciado pelas vozes restantes, uma após a outra. Imaginemos uma fuga a quatro vozes. A chamada exposição teria o seguinte aspecto:

voz 1:

sujeito...










voz 2:




sujeito...







voz 3:







sujeito...




voz 4:










sujeito...

As reticências indicam que o fluxo musical não pára. Quando uma voz apresenta o sujeito, expõe em seguida outra melodia, geralmente contrastante, denominada contra-sujeito, assim:

v1:

s...

cs...










v2:




s...

cs...







v3:







s...

cs...




v4:










s...

cs...

Quando uma voz apresenta sujeito e contra-sujeito, ela termina a fase da exposição e passa a se denominar voz livre. Porém, algumas vezes é necessária uma pequena transição:

v1:

s...

cs...

t...

vl...










v2:




s...

cs...

t...

vl...







v3:







s...

cs...

t...

vl...




v4:










s...

cs...

t...

vl...

E a exposição se encerra quando todas as vozes são "livres". Em algumas fugas, há uma reexposição, igual à exposição, mas onde as vozes entram em ordem diferente.

DESENVOLVIMENTO
A partir de então, a fuga segue por caminhos menos definidos. Não há um molde muito rígido, apenas um conceito de que, no desenvolvimento, serão apresentadas seções secundárias denominadas episódios, e que, entre eles, será reapresentado o tema, de forma variada. Um esquema possível seria o seguinte:

episódio 1 - sujeito - episódio 2 - sujeito - episódio 3 - sujeito...

As entradas do sujeito nunca são literais. Sempre o tema sofre uma ou outra variação, geralmente de origem contrapontística - e tem seu caráter modificado, principalmente. O fato é que o desenvolvimento é a parte da fuga onde o compositor pode dar asas à sua imaginação.



STRETTO
Concluído o desenvolvimento, inicia-se o stretto, que é o gran finale da fuga. Aqui o sujeito é exposto pelas diferentes vozes quase que simultaneamente, num ritmo acelerado e crescente - uma voz parece sempre estar querendo se afastar da outra, fugir da outra, daí o nome fuga. É uma passagem de grande força, e representa a vitória do sujeito e da tonalidade principal da fuga, a tônica. Após o stretto, segue a cadência (frase de encerramento).

A fuga é o molde formal de muitos gêneros, todos do século XVIII, onde predominou - concerto grosso, prelúdios corais, motetos, madrigais etc.


Exemplo:

Bach – Fugas e Invenções a duas vozes



FORMA SONTATA




Não há dúvida: a forma-sonata é o esquema formal mais importante da história da música. Nenhuma outra forma foi tão usada, tão estudada, tão valorizada, e, ao mesmo tempo, tão debatida, tão controversa e tão modificada pelos compositores. É o típico exemplo de uma arte viva, que se transforma no tempo.

Vale a pena ressaltar que estamos nos referindo ao modelo formal usado nos primeiros movimentos de sonatas, sinfonias, concertos, quartetos, etc.



HISTÓRICO
A forma-sonata surgiu no início do Classicismo, em meados do século XVIII. Embora não se saiba quem foi seu criador, ela deve muito de sua existência a um dos filhos de Bach, Carl Philipp Emanuel. Ele foi um dos primeiros a adotá-la em seus concertos, sonatas e sinfonias, e praticamente definiu a forma.

No Barroco, o termo "sonata" era usado para definir qualquer gênero puramente instrumental - assim como "cantata" era um gênero vocal. As sonatas de Scarlatti, por exemplo, eram compostas no esquema A-B.

A C.P.E. Bach seguiram-se Haydn e Mozart, que ampliaram a forma e a consolidaram definitivamente. A partir deles, a forma-sonata tornou-se o molde habitual para os primeiros movimentos de sinfonias, concertos, quartetos e, claro, sonatas.

VISÃO GERAL

A forma-sonata pode ser esquematizada como qualquer forma ternária, A-B-A, como um scherzo, por exemplo. Porém, ficou mais usual anotar a sonata como exposição-desenvolvimento-reexposição. Pelo menos três temas são trabalhados nas seções, a, b e c, como no esquema abaixo:



exposição

desenvolvimento

reexposição

a

b

c

a

b

c

a

b

c

tônica

dominante

tons distantes

tônica

Muitas vezes, os compositores acrescentam uma introdução lenta antes da exposição e uma coda apoteótica após a reexposição. Mas isso não chega a alterar a essência da forma-sonata, já que geralmente esses anexos independem dos temas principais do movimento.

A forma-sonata se inicia com a exposição, onde, como o próprio nome indica, são apresentados os temas; no desenvolvimento, eles são transformados, tratados de maneiras diferentes; e, na reexposição, o material temático retorna à sua forma original, embora nem sempre isso signifique um retorno literal.



GÊNEROS MUSICAIS




CANTATA




A cantata é uma espécie de oratório de pequenas proporções, para solistas vocais, coro e orquestra. Cantatas se tornaram comuns na Alemanha do século XVIII e eram compostas muito freqüentemente para cerimônias e datas religiosas. Embora mantenha a estrutura do oratório (árias e coros ligados por recitativos), a cantata nem sempre conta uma história. Ela tem um caráter menos épico, e serve mais para a difusão de conceitos morais e espirituais. Apesar de cantatas sacras serem muito mais numerosas, existem também cantatas seculares, que homenageavam feitos de reis e príncipes.

O gênero tornou-se imediatamente ligado a Bach, que compôs centenas delas (com destaque para as BWV 4, 78, 80, 82, 140 e 147). Com sua morte, porém, os compositores foram gradualmente deixando o gênero de lado e nenhuma cantata de peso foi composta em todo o século XIX. Apenas no nosso século que a cantata voltou a interessar músicos como Carl Orff, autor da célebre Carmina Burana, que tem a estranha denominação de "cantata cênica", Bartók (Cantata profana) e Schoenberg (Um sobrevivente de Varsóvia).





CONCERTO




O concerto, aparentemente, representa a vitória das minorias: nele, os solistas lutam bravamente com a orquestra, até obterem a glória total! Mas não é bem assim. O concerto é um gênero orquestral mais leve que a sinfonia, baseado não no conflito, mas na harmonia. Ele nasceu da curiosidade natural em descobrir como justapor harmoniosamente sons produzidos por um pequeno grupo ou por apenas um músico aos sons produzidos pela massa orquestral. Com a notável exceção da ópera, o concerto é um dos raros gêneros que sobreviveram à turbulenta história da música.

Ele surgiu no Barroco, em duas variantes: o concerto para solista e o chamado concerto grosso. Não é necessário dizer que o concerto para solista é aquele onde há um instrumentista acompanhado pela orquestra. Já no concerto grosso não há apenas um solista, mas um grupo deles, denominado concertino, que é acompanhado pelas cordas restantes, o ripieno.

O concerto grosso é um gênero baseado na fuga e no contraponto. Como tal, o concertino jamais "pulveriza" o ripieno, mas mantém uma relação dialética com ele, num fluxo contínuo de música polifônica. Paralelamente, os concertos para solista barroco são similares. O solo domina, obviamente, mas é mantido no mesmo plano da orquestra, de forma equilibrada.

Esse aspecto foi bastante alterado no Classicismo de Haydn e Mozart. O concerto grosso praticamente desapareceu, em detrimento da sinfonia - curiosamente, surgiu um gênero híbrido denominado sinfonia concertante - e o concerto para solista ganhou a predileção do público. Como os demais gêneros clássicos, ele adotou a forma-sonata como padrão, abandonando a fuga barroca.

É esse tipo de concerto que se tornou comum, do Classicismo em diante. Vamos ver como ele é construído.

MOVIMENTOS

Exatamente como a primitiva sinfonia, o concerto tem três movimentos, no esquema rápido-lento-rápido: um Allegro inicial relativamente longo, um meditativo Adagio e um leve e divertido Rondó final.



primeiro movimento

É o grande Allegro inicial, escrito na forma-sonata, com algumas variações. O concerto clássico geralmente começa com a orquestra expondo todos os temas, preparando o público para a entrada do solista, que os expõe também. Mas o Mozart dos ultimos anos e Beethoven começaram a apresentar o solista mais cedo, e, durante o Romantismo, não havia mais regra. O desenvolvimento é geralmente dramático, com o solista claramente em conflito com a orquestra, o que se mantém até a reexposição, onde ele finalmente obtém o controle da situação. Tal controle atinge o clímax na grande cadência do final, tocada sem o acompanhamento. A tradição manda que o compositor deixe a cadência livre para o instrumentista improvisar, mas como geralmente eram os próprios compositores que estreavam suas obras, eles começaram a escrever as cadências - que fatalmente se tornavam padrão. Em seguida, a apoteótica coda, como se a orquestra finalmente se curvasse ao poder do solista.



segundo movimento
Após as tensões do primeiro movimento, segue um lírico e suave movimento lento. Aqui não há regras, e a forma fica a critério do compositor. Mas o normal é que haja uma espécie de reconciliação entre o solista e o orquestra, que nunca conviveram tão harmoniosamente como agora.

terceiro movimento
O final é, geralmente, um alegre rondó que celebra o concerto. O clima é de descontração e, muitas vezes, dançante. Mesmo os mais compositores mais sisudos fazem os concertos terminarem dessa maneira feliz.

Como em qualquer gênero, há as exceções. O Concerto para piano no. 2 de Brahms é a mais comentada: quatro movimentos ao invés de três. O Concerto para piano com a mão esquerda, de Ravel, além de ser composto para apenas uma mão, tem apenas um movimento. Isso que é o verdadeiro minimalismo!


Exemplo:

Concerto para piano e orquestra no. 1, em si bemol menor, op. 23
I - Allegro non troppo e molto maestoso - Allegro con spirito
II - Andantino semplice - Presto - Tempo I
III - Allegro con fuoco
Quem nunca ouviu o majestoso início deste concerto? Esse tema inicial é, certamente, uma das mais célebres melodias da música clássica. Pois o Concerto opus 23, que se tornaria um dos mais executados e apreciados do repertório, nasceu sob as críticas severas do amigo Nikolai Rubinstein: "sem valor, inexecutável, cheio de temas infelizes e sem salvação". Tchaikovsky não mudou nenhuma nota e o publicou, no mesmo ano de 1875. Apesar das rudes palavras de Rubinstein, o concerto foi enorme sucesso, tendo ele próprio - que reconsiderou suas idéias - como solista.

MúSICA INSTRUMENTAL




O conceito de música instrumental é bastante abrangente. Podemos rotular como instrumental qualquer peça musical que não use voz, sapateado ou outra fonte sonora que não seja um instrumento musical. Isso englobaria desde sinfonias e concertos a quartetos e sonatas. Mas o que queremos abordar neste tópico é algo mais específico: chamaremos de música instrumental toda música executada por apenas uma pessoa, ou por ela e seu acompanhante. Em suma: música para solistas.

Devido ao seu caráter polifônico, o piano é o instrumento preferido dos compositores. O violino é também muito requisitado, seguido pelo violoncelo e pelos instrumentos de sopro, notadamente a flauta e o clarinete. Mas todos eles costumam ter o piano como acompanhante, pois são instrumentos pobres em harmonia. Já o órgão, com seu som "orquestral", tem um repertório bastante diferenciado, o que o destacou dos demais instrumentos.



HISTÓRIA E GÊNEROS

Há inúmeros gêneros instrumentais, e nesse aspecto a evolução histórica da música é decisiva. Vamos ver os principais gêneros de cada período:



Barroco
A música instrumental barroca é geralmente dividida em duas correntes: a italiana e a francesa. A italiana era baseada na sonata - lembrando aqui que o termo é usado em oposição à cantata, isto é, aquilo que se toca, não o que se canta. As sonatas eram composições em três movimentos (rápido-lento-rápido), construídas em forma de fugas a duas ou três vozes. A música instrumental francesa baseava-se nas suítes e partitas, formalmente iguais às suítes orquestrais - obras em vários movimentos, todos baseados em danças da época.

Classicismo
Como época dominada pela forma-sonata, naturalmente o gênero instrumental clássico por excelência foi a sonata. Embora também dividida em três movimentos (rápido-lento-rápido), ela é diferente da sonata barroca porque não é estruturada na fuga, mas na forma-sonata, e, dessa maneira, tem o lado polifônico menos desenvolvido.

Romantismo
O Romantismo, como reação ao formalismo do século XVIII, caracteriza-se justamente pelos novos gêneros instrumentais que vê nascer, todos de forma bastante livre: o noturno, o prelúdio, a fantasia, a balada, o estudo e o improviso, entre outros. Todos eles são gêneros curtos, em um único movimento, estruturados em seções dispostas livremente. A sonata e a forma-sonata ainda subsistem em meio às revoluções - mas claro que de maneira bastante modificada.

Modernismo
É difícil contabilizar os gêneros instrumentais modernos. Cada compositor tinha uma maneira muito pessoal de se expressar. De uma maneira geral, pode-se verificar o retorno de alguns gêneros antigos, como a suíte e a própria sonata, e a subsistência de alguns gêneros românticos, que conviveram com as "vanguardices" modernas.


ÓPERA




A ópera é um gênero que não deixa ninguém indiferente: ou se ama ou se odeia. Os que se enquadram no segundo time têm alguns argumentos para justificar sua posição: a má-qualidade dos enredos, com histórias estapafúrdias e inverossímeis, os virtuosismos vocais exagerados, o ambiente cheio de convenções e tradições antinaturais e, em alguns casos, a música superficial e espetaculosa. São argumentos fortes.

Mas, apesar de toda sua aparência kitsch e demodée, a ópera continua conquistando corações e mentes mundo afora. Existem pessoas - e não são poucas - que realmente se emocionam quando um tenor consegue suplantar, sem falhas, todas as "armadilhas" vocais colocadas pelo compositor em uma ária. Junte a isso o fascínio pela voz humana e teremos aí uma combinação irresistível para muita gente. Daí o grande número de subprodutos de ópera que a indústria fonográfica coloca no mercado - Os três tenores, compilações de árias, crossovers (cantores líricos interpretando música popular, muitas vezes ao lado de astros pop), Andrea Bocelli...

Obviamente não vamos mencionar aqui esses subprodutos, de gosto para lá de duvidoso. Vamos falar da ópera de verdade, o espetáculo que envolve literatura, poesia, dança, teatro e música e que leva multidões para os teatros. Apesar de todos os defeitos que a ópera possa ter, grandes compositores se dedicaram a ela, criando música gloriosa. Vale a pena conhecer mais essa música.

ESTRUTURA

Uma definição usual, extremamente resumida, de ópera é que se trata de teatro cantado. Portanto, ela tem os aspectos tanto de teatro como de música vocal. Estruturalmente, isso é notado. Óperas são divididas, como peças de teatro, em grandes partes denominadas atos (geralmente três), que por sua parte são divididas em partes menores chamadas cenas.

A ópera inteira é precedida por um grande prelúdio orquestral, denominado abertura (ou mesmo prelúdio). Algumas aberturas apresentam alguns temas principais da obra, sendo uma espécie de "resumo da ópera". Outras servem apenas como chamariz para o público, como que avisando a todos do início da ópera. Da mesma maneira, cada um dos atos geralmente é precedido por um breve prelúdio orquestral.

As cenas são, normalmente, compostas de uma ou duas árias (ou coros) entremeadas de recitativos. Os recitativos são o recheio necessário à costura dramática da ópera, mas não têm maiores funções musicais. O que atrai realmente o público são as árias, duetos (árias a duas vozes), trios etc. A ópera pré-wagneriana tem divisões mais audíveis entre recitativos e árias. A partir de Wagner, o fluxo torna-se contínuo.



SUÍTE
Quando uma ópera faz grande sucesso, muitas vezes o compositor elabora uma versão para sala de concerto. Essa versão é denominada suíte. Ela é composta da abertura e dos demais prelúdios, mais as orquestrações das árias mais significativas.

HISTÓRIA

As origens da ópera remontam ao ano de 1594, ano em que foi encenada pela primeira vez Dafne, de Jacopo Peri. A intenção de Peri e dos nobres florentinos que o circundavam era recriar o teatro grego. Para tanto, reuniram teatro, poesia e música. No princípio, a música servia como um suporte às palavras, que eram a base da nova arte. Dafne não chegou até nós. A primeira ópera que conhecemos, provavelmente muito melhor sucedida que a de Peri, é Orfeu, de Monteverdi, de 1607. Foi ele quem lançou realmente as bases do gênero.

Podemos dizer que a criação da ópera foi fato decisivo para o início do Barroco. Durante o século XVII e, principalmente, o século XVIII, o ideal de Monteverdi, o da união palavra-música, foi se perdendo. Conforme o gênero foi se popularizando, sua música perdia a vinculação com o sentido dos versos e com o desenrolar do enredo. O interesse é a parte vocal e o virtuosismo dos cantores. Os maiores mestres da espetaculosa ópera barroca foram Alessandro Scarlatti e Handel (autor de Júlio César).

Gluck mudou esse perfil. Ele considerava a ópera de sua época muito artificial e cheia de vícios, e tentou mudar esse perfil. As óperas de Gluck, principalmente Orfeu e Eurídice, são mais naturais, coerentes e apresentam maior equilíbrio entre texto e música, chegando próximo ao ideal dos primeiros operistas. Também no Classicismo, surge a figura de Mozart como o compositor da melhor música feita para ópera desde então. Suas óperas, entre elas A flauta mágica, estão entre as mais perfeitas do repertório.

A ópera romântica teve início promissor, com o Fidelio de Beethoven e O franco-atirador de Weber, mas logo caiu em decadência. Foi a fase da grand opera parisiense, onde compositores como Meyerbeer e Halévy faziam enorme sucesso com obras superficiais, cheia de efeitos fáceis e lugares-comuns. Até a chegada de Wagner. Com obras como Tristão e Isolda, Wagner elevou a ópera a um nível artístico nunca alcançado. De fato, ele considerava a ópera como obra de arte total, a união de todas as grandes artes. A contribuição wagneriana ultrapassou a fronteira da ópera e influenciou toda a história da música.

Na Itália, o campeão da ópera romântica foi Verdi, o inaugurador de um estilo mais realista, chamado verismo. Verdi tinha enorme senso teatral, comprovado por óperas como Aída, plenamente eficientes tanto por seu mérito musical como pelo mérito dramático. Outra linha italiana é o bel canto de Bellini (Norma) e Donizetti (O elixir do amor), que se caracteriza pela importância dada ao virtuosismo vocal em detrimento do drama e do enredo. Mais adiante, Puccini (Tosca) fez uma síntese dos dois estilos, acrescentando uma orquestração mais rica de cunho wagneriano.

Na França, óperas como Fausto, de Gounod, e Manon, de Massanet, trouxeram os sentimentos românticos mais exaltados - segundo alguns, "água com açúcar" - à ópera. Em compensação, as óperas de Bizet, sobretudo Carmen, são mais leves por seu teor de comédia, e se enquadram na chamada ópera-comique francesa.

Na Rússia, uma grande tradição de ópera nacionalista de sabores "exóticos" foi inaugurada com Ruslan e Ludmila, de Glinka. O exemplo foi seguido por Borodin (Príncipe Igor) e Mussorgsky (Boris Godunov). No leste europeu, outros compositores escreveram óperas nacionalistas: A noiva vendida, de Smetana, Rusalka, de Dvorák, e Jenufa, de Janácek, são bons exemplos, todos tchecos.

No século XX, a primeira grande ópera foi Pelléas e Mèlisande, de Debussy. Ela retoma alguns procedimentos monteverdianos: a declamação, a importância das palavras, o acompanhamento discreto. Depois de Pelléas, a ópera mais importante do século XX é Wozzeck, de Alban Berg. Ela apresenta várias novidades. A primeira é o libreto cruento e realístico - ou expressionista - incomum no teatro de ópera. A segunda é o uso de cenas extremamente curtas. A terceira é a inclusão de formas abstratas como o rondó e a passacaglia, escondidas nas cenas da ópera. A quarta e mais importante é o uso do atonalismo da Escola de Viena. Wozzeck foi a primeira ópera atonal a ser encenada. Outros grandes exemplos modernos são Elektra e Salomé, de Richard Strauss, O castelo do Barba Azul, de Bartók, Moisés e Aarão, de Schoenberg, A carreira do libertino, de Stravinsky, e - por que não? - a ópera-jazz Porgy and Bess, de Gershwin.
Exemplo:

A valquíria
A cavalgada das valquírias

A valquíria é a segunda ópera da tetralogia O anel dos nibelungos e foi concluída em 1856. Nela, um casal de irmãos gêmeos, Siegmund e Sieglinde, vivem um romance incestuoso e - desgraça pouca é bobagem - adúltero. Assim são punidos. Brünhilde, a valquíria, é incumbida de avisar Siegmund de sua morte próxima. Mas ela se comove com o amor existente entre os irmãos e desobedece. Porém Odin, o deus supremo, faz com que Siegmund morra e pune Brünhilde, que tenta fugir. A cavalgada das valquírias é o prelúdio do terceiro ato e descreve a fuga das guerreiras. É a página mais conhecida de Wagner.



SINFONIA




A sinfonia é o gênero mais conhecido. Quase todos os programas de concerto incluem uma ou duas sinfonias, e, de fato, a maioria dos compositores dispensaram atenção especial à sinfonia, escrevendo, geralmente, obras de fôlego. Ela é o veículo próprio para as grandes idéias, para os temas majestosos, para dramáticos conflitos, para arquiteturas grandiosas. Em uma sinfonia, tudo é feito em grande escala.

Mas o que é? Uma sinfonia é uma obra para orquestra sinfônica completa, que dura algo em torno de 30 minutos, dividida em grandes seções denominadas movimentos. Ela surgiu das aberturas das óperas barrocas, prelúdios orquestrais solenes que precediam o espetáculo teatral. Muitas das características atuais da sinfonia devem-se a essa abertura primitiva.



MOVIMENTOS

O esquema dos movimentos é uma das contribuições da abertura de ópera à sinfonia. Mais especificamente, da chamada abertura italiana, criada por Alessandro Scarlatti. Ela se dividia em três partes: a primeira era rápida e solene; a central, lenta e lírica; e a última, rápida e flamejante. Ou seja, rápido-lento-rápido.

As primeiras sinfonias, no início do Classicismo, eram compostas exatamente como a abertura italiana, em três movimentos, sendo o primeiro rápido (Allegro), em forma-sonata, o segundo lento (Adagio ou Andante), e o final rápido.

Mas os vienenses tinham uma predileção especial por dança, e, na época de Haydn e Mozart, foi acrescentado um movimento: o Minueto, depois substituído por Beethoven pelo Scherzo. Desde então, as sinfonias mantiveram-se mais ou menos da mesma maneira, assim:



primeiro movimento
Geralmente é um Allegro, escrito em forma-sonata. Muitas vezes as sinfonias iniciam-se com uma introdução lenta, para depois entrarem no Allegro em si. O primeiro é o principal movimento da sinfonia, e é lá que estão os temas principais. Muitas vezes, os demais movimentos utilizam-se de um ou dois temas do Allegro, em um artifício chamado de forma cíclica.
segundo movimento
É o movimento lento, um Adagio ou um Andante, geralmente. Aqui, não há qualquer orientação quanto à forma: pode ser um rondó, ou uma forma ternária, ou tema e variações, ou, o que é incomum, até em forma-sonata. O que importa aqui é o caráter do movimento, lírico, sonhador.
terceiro movimento
Normalmente é um scherzo, ou um minueto, como nas sinfonias de Haydn e Mozart. O comum é que ele seja o movimento mais leve e de menor extensão da obra, e seu aspecto rítmico é bastante importante. Em algumas ocasiões, o scherzo aparece logo após o Allegro, mudando de lugar com o movimento lento, que passa a preceder o final.
quarto movimento
O Finale costuma ser mais rápido e majestoso que o Allegro, configurando-se, na maioria das vezes, nos fogos de artifício de encerramento da sinfonia. Quanto à forma, geralmente é em forma-sonata ou de rondó.

Este é, obviamente, o esquema mais usual de sinfonia, e existem as exceções. Muitas vezes, dois movimentos se sucedem sem interrupção, como na Sinfonia Órgão de Saint-Saëns, ou simplesmente são fundidos em um só, como na Quinta Sinfonia de Sibelius, que tem três movimentos. O mesmo Sibelius deu à sua Sétima Sinfonia apenas um movimento. A tendência inversa é representada pela Pastoral de Beethoven e pela Quinta Sinfonia de Mahler, ambas com cinco movimentos. E há também as sinfonias que ficaram inacabadas, como a Oitava Sinfonia de Schubert, com apenas dois movimentos, e a Nona Sinfonia de Bruckner, com três...


Exemplo:

Sinfonia no. 40, em sol menor, K. 550
I - Molto allegro

Mozart não fugiu à regra do Classicismo e compôs mais de quarenta sinfonias. Não revolucionou o gênero (Mozart, em princípio, nunca foi um inovador, um pioneiro), mas criou obras tão perfeitas que formaram um verdadeiro monumento sinfônico. A de número 40, a penúltima delas, é o exemplar mais conhecido, especialmente pelo seu elétrico primeiro movimento.




SUíTE




A suíte é um gênero tipicamente barroco. Seu nome vem do francês e significa seqüência. A suíte foi um dos gêneros instrumentais prediletos das aristocracias européias do séc. XVIII. Ela é formada por um prelúdio solene, chamado de abertura, seguido por uma série de danças características - rondó, sarabanda, polonaise, bourée, minueto etc.

Há suítes tanto para instrumento solista como para orquestra. Nas duas modalidades, os maiores exemplos são de Bach. Ele escreveu quatro suítes para orquestra e seis para violoncelo, entre outras para cravo. Bach também dava o nome de abertura ou partita para suas suítes. Os termos são sinônimos.

Também são muito conhecidas duas suítes de Handel - a Música aquática e a Música para os reais fogos de artifício.

SERENATA
A serenata orquestral, desenvolvida a partir do Classicismo, pode ser considerada herdeira da suíte barroca, pelo seu caráter leve e dançante. Porém, a serenata não é formada apenas por danças, apresentando também movimentos de cunho mais abstrato. As danças da corte foram "modernizadas", com a inclusão, entre outros ritmos, da valsa, típica do séc. XIX. Geralmente serenatas são instrumentadas para conjuntos menores, como orquestras de cordas.

Entre as serenatas conhecidas incluem-se uma de Schubert, as duas de Brahms, a primeira de Dvorák, a de Tchaikovsky e, claro, a Eine Kleine Nachtmusik de Mozart, de longe a mais célebre de todas.


Exemplo:

Suíte orquestral no. 3, em ré maior, BWV 1068
I - Abertura
II - Ária
III - Gavotas
IV - Bourée
V - Giga

A suíte é um gênero instrumental típico do Barroco francês, e Bach compôs quatro delas entre 1717 e 1723. A terceira é a mais solene, a que usa a maior orquestra e a mais conhecida também. Seu segundo movimento, Ária, que foi transposta pelo próprio compositor para órgão, é uma de suas peças mais conhecidas e figura entre as mais célebres melodias de todos os tempos.


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